Японская цифрография

Когда речь заходит о современной японской фотографии, то чаще всего упоминается имя Нобуёси Араки. Однако не стоит забывать, что этому действительно известному во всем мире фотографу уже 65 лет! И если говорить о самых последних тенденциях в фотографии Страны восходящего солнца, то нельзя обойти стороной явление возникновения и стремительного развития цифровых технологий.

Одним из первых обратился в новую цифровую веру Норио Кобаяси, который по праву считается основоположником цифрографии в Японии. (Термин «цифрография» ввел японский художественный критик Иизава Котаро, специализирующийся на фотографии.)

Норио Кобаяси родился в 1952 году в семье дантиста. После окончания школы, по совету родителей, поступил в стоматологический колледж, чтобы получить специальность дантиста. Однако уже тогда Кобаяси увлекся фотографией, и увлечение это было настолько сильным, что после нескольких лет учебы он оставил колледж и полностью посвятил себя фотографии.

В выставках участвует с 1975 года (Япония, США, Франция, Германия, Нидерланды, Южная Корея и проч.). В 1981 году в Токио состоялась первая персональная выставка (с тех пор прошло еще 16 персональных выставок), а в 1986 — вышел первый авторский альбом «Японские пейзажи».
Количество групповых фотографических выставок, в которых Норио Кобаяси принимал участие, исчисляется десятками. Некоторые, например, «Современная японская фотография, 1994», совершили путешествие в Париж, Нью-Йорк, Лондон. Накопленный за многие годы работы опыт востребован несколькими японскими университетами, в которых Кобаяcи преподает основы фотографии.

Свои первые цифрографии он сделал в 1997 году с помощью компактной цифровой камеры (350 тыс. пикс.). Приблизительно тогда же он открыл свой сайт (www.artbow.com), где стал регулярно показывать свои работы. Наибольшую известность в Японии и за ее пределами получили его серии «Japanese Blue»/ «Японский синий» и «Digital Kitchen»/ «Цифровая кухня».

Первоначально работа над серией «Цифровая кухня» носила экспериментальный характер. По мере разрастания она стала приобретать форму некоего «Дневника». Такой «формат» довольно характерен и для японской литературы, например, можно вспомнить «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон.

В результате многолетней работы над этим проектом из огромного количества отснятого материала сложился удивительный, изящный, трогательный интимный перформанс, зафиксированный на сотнях изображений, действие которого происходит в доме фотографа, на кухне. Декорацией этого спектакля является живой интерьер — кухонная утварь, блюда, продукты питания, а единственным персонажем — жена художника.

Впервые его «цифрографии» из серии «Цифровая кухня» нашли достойное место рядом с аналоговыми фотографиями других известных японских фотографов на проходившей в Национальном музее современного искусства в Токио выставке «Фотография сегодня-2» в июне-августе 2002 года.

Работа над «Цифровой кухней» продолжается и сегодня.

Норио Кобаяси уверен, что роль фотографии в новом веке будет значительно шире и, сохранив свое репортерское значение, фотография займет большую нишу в современном искусстве.

Постепенно вокруг Кобаяси сформировалась группа единомышленников, в которую вошли фотографы Дзюн’ити Сато, Акихиро Такахаси, Наоми Марута, критик Хироси Осима и группа молодежи, в основном это студенты Норио Кобаяси. Состав группы постоянно меняется — люди приходят и уходят. В настоящее время это сообщество «цифрографов» включает около 20 человек. Они регулярно встречаются в каком-нибудь токийском ресторанчике для обсуждения самых разных вопросов, показывают друг другу свежие «цифрографии», реализуют совместные проекты в интернете, проводят выставки.

Их подход к съемке и экспонированию во многом схож с принципами, сформулированными ломографистами. Свободная композиция, воспроизведение самых обычных сюжетов, без акцентирования на «горячем» материале, непроизвольная съемка навскидку или «от бедра», когда вовсе не обязательно смотреть в объектив камеры и проч.

Подобно ломографии, цифрография — это не вмешательство в жизнь, а ее часть. (Ломография, как креативное движение в фотографии, возникло по счастливой случайности, когда в 1991 году «ЛОМО-компакт» оказался в руках у двух австрийских студентов). Интересно, что прототипом первых фотокамер «ЛОМО-компакт», выпущенных в 1982 году, был именно японский фотоаппарат.

Однако, между ломографией и цифрографией есть и различия: чаще всего «цифрографы» не снимают «все подряд», а заранее выбирают тему и наполняют ее многочисленными изображениями, стараясь раскрыть как можно глубже. В результате появляется панно (в экспозиционном варианте) или визуальное эссе. Обязательным является непрерывное воспроизведение отснятого материала на авторских web-сайтах.

Акихиро Такахаси (www.boz003. org) — автор нескольких выставочных проектов. Например, серия «На ладони». Все фотографии выполнены в период с 1 июня по 24 августа 2002 года и могут быть условно разбиты на несколько серий: «флайерсы» (рекламные листки, плакаты); люди; собаки; странствующие пластиковые пакеты; растения и — «разное».

Он чувствует, что живет в огромной невидимой странной Системе, состоящей из множества артефактов. Он ежедневно фиксирует своей камерой встречающиеся на каждом шагу элементы этой Системы. Люди, населяющие Систему, не выглядят ни счастливыми, ни несчастными: «Они редко обращают внимание на меня и друг на друга».

Проходя по берегу реки, Акихиро Такахаси часто встречает людей, выгуливающих своих собак — «Оказывается таких людей немало! Наверное, собаки в их жизни являются компенсацией нехватки любви и чувства удовлетворения. Нечто подобное происходит тогда, когда люди стараются украсить свои дома растениями и цветами, что тоже не всегда делает их более счастливыми».

Реклама сопровождает человека на всем его жизненном пути: ежедневно в дом приносят флайерсы и газеты, напичканные рекламой. Эти пестрые листки можно встретить повсюду, даже на кладбище, как и пустые пластиковые пакеты, застрявшие в ветвях деревьев и носимые ветром повсюду. «Когда меня заполняет ощущение пустоты, я достаю камеру и делаю снимки. Таким образом выполнены практически все они».

Другой проект Такахаси называется «Ложе реки». Все фотографии были выполнены с мая 2000 по январь 2002 года в окрестностях реки Цуруми, протекающей через Йокогаму. Место съемки расположено приблизительно в 15 км от моря вверх по течению. Из-за такой близости с морем уровень реки существенно колеблется под влиянием морских приливов. Когда прилив наступает, русло полностью заполняется водой, а когда отступает, то дно реки почти полностью открывается.

Каких только остатков человеческой деятельности не встречается на дне среди речного ила. Не будет преувеличением сказать, что практически все вещи, когда-либо служившие человеку, рано или поздно оказываются на дне реки. Фотограф снимает каждую в отдельности, как некий объект символических раскопок: выброшенные башмаки, одежда, кукла, игрушки, посуда, осколки вазы, кости домашних животных или каких-то других неведомых существ и проч.

В соответствии с концепцией этого проекта весь мир у автора разделен на две составляющих: внешне красивую, состоящую из экзотических для русского зрителя окрестных панорам и населяющих берега реки обитателей, и как бы потустороннюю, основу которой составляют остатки человеческой деятельности.

В проекте прочитываются самые разные проблематики от историко-философской (невольно приходит в голову река Стикс) до экологической (по загрязненности река Цуруми занимает третье место среди всех рек Японии). Точная привязка по времени имеет для Акихиро Такахаси такое же важное значение, как для Огги — персонажа Харви Кейтеля в культовом фильме «Дым» Уэйна Вонга, — снимающего один и тот же вид у входа в свой ресторан.

Еще одним ярким цифрографом является Дзюн’ити Сато (www.jsato.org; www.kohan-studio.com/org). Как правило, он снимает камерой, развернутой на 180 градусов, поскольку так проще фотографировать воздух — невидимую смесь разнообразных газов, окружающих Землю. Именно воздушная среда привлекает Сато в качестве съемки.

«Естественно, я знаю, что для правильной съемки необходимо держать камеру двумя руками. Но мне проще работать одной, и я ведь не могу постоянно ходить, задрав голову вверх, или, наоборот, переместить воздух туда, куда мне хотелось бы…»

В конце 60-х годов основоположник стиля «новых диких» немецкий художник Георг Базелиц стал использовать «перевернутый образ» с центральным фигурным мотивом, обращенным головой вниз в своих живописных полотнах. Позднее такие «перевернутые образы» стали фирменным приемом Базелица.

Цифрографии Дзюн’ити Сато тоже легко узнаваемы, так как на них очень часто зафиксирован перевернутый мир. И если на первых порах он иногда разворачивал изображения, обрабатывая исходную съемку на дисплее камеры или на компьютере, то в конце концов решил этого не делать. По мнению автора, его «воздушная» серия — это материнский проект, который оказал значительное влияние на его формирование как художника. Над ним он работал в 2002–2004 гг., и в него входят сотни изображений, отснятых в Японии.

Развитием темы «воздуха» стали серии «Необычный воздух»/«Air Unusual», 2002 и «Driving Air», 2003, выполненные во время поездки по странам Скандинавии. Воздух или атмосфера окружают Землю, воздушные потоки свободно перемещаются вокруг нее, обтекая встречаемые границы. Поэтому одни и те же частицы видимые (или невидимые) в Европе со временем попадают в его родную Японию. Автор по-особому ощущает окружающее его пространство, и ему удается замечать и фиксировать такие нюансы, которые другими людьми невидимы.

Другая серия «HuahuaLulu» (слово Hua в переводе с китайского языка означает цветок, Lu — зеленый; вместе они образуют новое экзотическое слово, которого реально не существует) была отснята в Японии и на Тайване в 2003–2004 годах. Сато вообще любит разъезжать, считая путешествия неотъемлемой частью своей жизни.

Одновременно формируется уже «Новая волна» из нескольких ярких молодых фотографов, уже снискавших себе славу… Это молодежь, полностью свободная от комплексов в отношении цифровых камер и компьютеров. Можно сказать, что в цифровой среде они плавают, как рыбы в воде… В отличие от своих более зрелых собратьев они заметно раскрепощены и в выборе объектов для съемки.

Интересно, что в Японии аналоговая фотография — это в большей степени удел мужчин, а цифрографией чаще занимаются представительницы прекрасного пола. Несмотря на молодость (все фотографини еще не достигли тридцати лет), некоторые из них уже обратили на себя внимание специализирующихся на фотографии критиков, изображения их работ печатаются в журналах, они отмечались призами.

Ацуко Наганума, например, дважды получала премию компании Konica (ныне — Konica Minolta), а Миюки Мотоки в 2004 году получила Гран-при 22-го конкурса Hitotsubo — в переводе с японского слово означает меру площади, составляющую 3,3 квадратных метра. Возможно, кому-то это может показаться слишком мало, но победа в конкурсе, предоставляющая право на бесплатное проведение своей выставки, высоко оценивается японским фотографическим сообществом. Персональные выставки этих девушек проходили в фирменных салонах Nikon и Konica в Токио.

Известный японский художественный критик Хироси Осима так объясняет явление нового поколения цифровой фотографии в своей стране: «У молодого поколения нет особой потребности в том, чтобы видеть изображение. Как при прослушивании музыки, изображение становится чем-то, в чем можно раствориться. В частности, «ландшафт» становится скорее «средой», окружающей человека, чем просто предметом для разглядывания и восхищения».

Ацуко Наганума (www.anore24. com) несколько последних лет работает над проектом «Bug Train». Представив себя крохотным насекомым, она свободно перемещается по вагону Токийского метро и, будучи «невидимой», фиксирует на камеру все, что кажется ей интересным. Таким образом она воспроизводит мозаику жизни токийской подземки. Если учесть, что схема поездов Токио и прилегающих окрестностей похожа на сложнейшую микросхему, а средний житель мегаполиса ежедневно проводит в вагоне часа два-три, то материала для съемки, согласитесь, предостаточно. В будущем году Ацуко Наганума надеется приехать в Москву (на грант Министерства культуры Японии) и пополнить свою коллекцию изображениями, снятыми в московском метро. Не так давно, наряду с уже зрелыми и известными в Японии фотографами, она была приглашена участвовать в ретроспективном фотопроекте, посвященном истории токийской улицы Гинзы (аналог Тверской в Москве).

Миюки Мотоки (www.motokimiyuki. com). Одна из самых активных участников. На выставке «New Digital Age-2», недавно прошедшей в Красноярском музейном центре, она дебютировала с фотопроектом, воспроизводящим атмосферу сегодняшней японской брачной церемонии, в которой смешались старые традиции (например, обязательное наличие кимоно на самых важных персонах церемонии), чаще всего сохраняемые представителями старшего поколения, и совершенно новые тенденции — подвенечное платье, шампанское, воздушные шары и проч., в общем, почти все, как у нас… Буквально недавно закончилась ее персональная выставка «Student ID Number 011145» в Guardian Garden в Токио, где она представила большую коллекцию цифрографий, отснятую в университетском кампусе. Это беспристрастный взгляд на молодую Японию первого десятилетия XXI века.

Юмико Фудзита (www.yumikofujita.com). Пожалуй, самая «японская» фотохудожница. Во всяком случае, небольшие подборки ее работ удивительно похожи по настроению на японские «танка». Например, закрученный вокруг обычной лужи сюжет — отраженные в ней контуры зданий, хмурое небо, фигуры спешащих куда-то людей. Подобная тема развита в большой подборке изображений, обязательным атрибутом которых является зонтик. Глядя на эти фотографии, буквально ощущаешь присутствие дождя, такого типичного для островной страны Японии, где даже есть «сезон дождей». В то же время отдельные цифрографии за счет наличия необычных персонажей и все того же зонтика воспринимаются как акты комедийного (невольно вспоминается Чаплин) или трагического спектакля. Впрочем, комедия и трагедия всегда соседствуют в нашей жизни…

Саори Танака (www.h3.dion.ne.jp/ ~sao/). Ее проекты более концептуальны. Хотя концепция эта не столь сложна. Например, комбинируя изображения, в которых большую часть кадра занимает небо, и лишь узкой полосой ухвачены кровли японских жилищ, от вполне обычных типовых застроек до суперсовременных небоскребов, она складывает большие голубые коллажи или «зеркала», создавая иллюзию пространственных отражений, в которых небо может оставаться небом или превращаться в море.
Саюри Канно (www.ne.jp/asahi/ white/crowd/) пока не нашла своей излюбленной темы, и поэтому репортажи ее тематически разнообразны и пестры. Хотя у нее есть небольшая серия работ, развивающая идею «пикселя», составляющего основу каждого изображения.

Если еще недавно цифровые камеры воспринимались многими фотографами как нечто экзотическое, а цены на них были довольно высокими, то сегодня цифровая камера стала доступной практически каждому человеку, как в свое время это было с «мыльницами». Все кому не лень также делают и свои web-сайты, куда выкладываются тысячи и тысячи отснятых изображений — для этого нужно лишь обладать набором незамысловатых навыков. Кто-то уже бьет тревогу, что аналоговая фотография вскоре исчезнет вообще. Подобные мысли беспокоили художников XIX века, когда была изобретена фотография: портретисты и пейзажисты, по свидетельству очевидцев, были просто в панике: «отныне живопись умерла!».

Однако в результате того соперничества, напротив, живопись получила некий толчок, породив несколько совершенно новых течений. Причем, что особенно интересно, большинство этих течений было направлено скорее не на сходство с видимым, основные поиски происходили скорее в области абстрактного. Наверное, не стоит и сегодня бояться, что фотография умрет. Всегда найдутся поклонники и фанатики магии красного фонаря и колдовства над ванночкой с реактивами. Чего нового ожидать от цифровых технологий? Прежде всего новых форм и средств выразительности. Поле деятельности неисчерпаемо. На мой взгляд, новых поисков и, надеюсь, интересных результатов следует ожидать уже в трехмерном пространстве с четвертой составляющей — временем. Давайте подождем.

Андрей МАРТЫНОВ