Ярмарка Frieze Art 2007; Лондон, Великобритания. В параллельном мире

Текст Евгения ЕМЕЦ

Начало осени для арт-мира — это всегда особенное время. Большинство крупных музеев и галерей готовят для публики нечто диковинное, ранее не виданное. Зрителю, в свою очередь, приятно осознавать, что его стремятся удивить не только именами, но и высоким уровнем организации выставок.

Начало арт-сезона 2007 г. ознаменовалось несколькими значительными фотографическими и арт-событиями, каждое из которых по-своему отражает нынешнее состояние мировой фотографии и вместе с тем обозначает некоторые исторические, эстетические, философские перспективы, а также точки пересечения фотографии и современного искусства. Об одном из событий хочется рассказать подробно. В начале октября 2007 г. в Лондоне состоялась ярмарка современного искусства Frieze Art.

Событие потрясает своей масштабностью и умопомрачительным разнообразием произведений, выставленных на продажу, но самое главное — что все это искусство действительно находит своего покупателя: рынок поглощает имена и вещи с неимоверной быстротой. Многие произведения оказываются проданными еще до официального открытия ярмарки, коллекционеры встречаются с галеристами и бронируют многие работы за день до ярмарки, художники придумывают новые ходы и приемы, чтобы удовлетворить запросы рынка…

В этом лабиринтообразном арт-мире фотография не стоит особняком, а, напротив, проникает в приграничные области, находит внутри себя новые методы, открывает новые технологии, исследует ранее не изученные темы и, как всегда, остается инновационной и экспериментальной. Как таковой фотографии на Frieze Art немного, но зато представлены ее самые интересные экземпляры: от вещей, превратившихся в сознании публики в классику, до самых свежих работ, возникших в результате экспериментов и использования новейших технологий.

Традиционно, с самого своего рождения, фотография широко использовалась художниками: как основа для живописи — в качестве эскиза или же источника вдохновения — и как полноправная неотъемлемая часть работы (это особенно относится к концептуальным художникам). В настоящее время границы между двумя ипостасями фотографии заметно стерлись, и в большинстве случаев очень сложно провести какие-либо разграничения, потому как критерии того, к какому медиа относить произведение искусства — к фотографии, живописи или же вообще инсталляции, — довольно сложно определить.

Но попробуем разобраться с именами, определениями, тенденциями и, конечно, стоимостью фотографии на рынке. В этом смысле посещение ярмарки (пусть она даже не является специализированным мероприятием в области фотографии) может быть очень полезным занятием, в особенности, если вы занимаетесь современной фотографией и видите свое место в широком контексте мирового искусства.

Куда бы вы ни поехали, есть определенные имена, которые вы встретите на крупных ярмарках в Нью-Йорке, Лондоне, Париже, Мадриде, Берлине. На международной сцене эти художники обычно представлены сразу несколькими галереями. Цены на их работы растут из года в год и продолжают расти еще большими темпами, если самих художников уже нет в живых; их работы есть во многих музеях и практически всех каталогах, так или иначе связанных с историей фотографии.

Одним из таких китов современной фотографии является Роберт Мепплторп (www.mapplethorpe.org), показанный на Frieze Art 2007 галереей Thaddaeus Ropac (Париж; www.ropac.net). Сложно представить, что всего лишь в 1998 г. его книга вызвала целый скандал в одном из английских университетов, когда один из студентов хотел использовать фотографии в качестве иллюстраций для своей дипломной работы. Снимки Мепплторпа до сих пор для многих остаются шокирующими, они взрывают общественное мнение и провоцируют множество вопросов этического характера. Впрочем, с эстетической точки зрения, они безупречны. Цены на работы варьировались от $60 до $80 тыс. (при тираже 10).

Другой, не менее скандальный фотограф, которого называли как порнографом, так и гением, — Нобуёси Араки (www.arakinobuyoshi.com), представлен сразу двумя галереями, японской Taka Ishii Gallery (www.takaishiigallery.com) и итальянской Studio Guenzani (www.studioguenzani.it). Его работы продавались от $7100 (черно-белая фотография с открытым тиражом) до $20300 (черно-белая фотография, акрил, уникальный экземпляр) соответственно. (Цены на ярмарке Frieze Art указывались в разных валютах в зависимости от страны-происхождения художника или места расположения галереи. В статье цены приводятся в USD для удобства сравнения.) В настоящее время без его работ не обходится ни одна ярмарка, ни одна кураторская выставка, хоть как-то связанная с темой красоты, любви, женщины в искусстве.

По собственному признанию автора, вся его жизнь и есть одна фотография, если бы ее не было, то у него бы не было ничего… В прошлом году в Лондоне в одном из крупнейших выставочных центров «Барбикан» (www.barbican.org.uk) прошла его выставка, которая называлась «Араки: Я. Жизнь. Смерть.», которая заняла два огромных этажа и явилась своего рода исследованием творчества Араки начиная с 60-х гг.

По признанию кураторов, выставку всех произведений автора не удалось бы сделать никому, так велико их число. Удивляет энергия, с которой фотограф работает, его изобретательность и щедрость давания: он одинаково креативно подходит к созданию новых фотографий и к воссозданию и переработке изображений, сделанных ранее. Его техники обработки и печати фотографий различны: он увеличивает старые слайды, которые уже начали выцветать, или проявляет отпечатки в кипящем фиксаже, которые после обработки отдаются эхом Хиросимы. Но никогда не использует цифровые способы печати: он очень озабочен вопросом аутентичности, подлинности, хотя при этом его работы — это чистое балансирование на грани реального и нереального, постановки и спонтанности.

А вот работы американского фотографа Уильяма Эгглстона (www.egglestontrust.com), представленные известной нью-йоркской галереей Victoria Miro (www.victoria-miro.com), оценивались гораздо скромнее: цветные фотографии (пигментная печать, тираж 10) 1974 г. стоили всего $20 тыс. В течение 50 лет Эгглстон находил красоту в обыденных вещах, создавая образы американской жизни, которые имели большое влияние на последующих художников. Его часто называют отцом цветной фотографии благодаря его экспериментам с цветом и инстинктивному чувству цвета и формы.

Вместе с другими фотографами — Гари Винограндом и Ли Фридландером — он принадлежит поколению поствоенных фотографов, которые смогли «освободить» фотографию от излишних строгостей и ограничений того времени. Поворотной датой для цветной фотографии считается 1976 г., когда Эгглстон принес свои отпечатки Джону Шарковски, знаменитому куратору Музея современного искусства в Нью-Йорке, который сразу же распознал силу и новизну в работах фотографа. Эта встреча ознаменовала признание цветной фотографии значительной официальной институцией и послужила началом работы над первой выставкой и каталогом работ Эгглстона, которые, тем не менее, вначале были неоднозначно встречены публикой. Вместе с тем в этот момент высказывание Уокера Эванса о «вульгарности» цветного изображения перестало оказывать влияние в фотографическом мире.

Продолжая тему цвета, невозможно не сказать о фотографе, чьим оружием стал цвет и… искусство перевоплощения. Синди Шерман (www.cindysherman.com) — американский фотограф, исследующий множество различных вопросов: репрезентации живописной и кинематографической традиции, условности влияния поп-культуры, стереотипности половой идентичности. Она начала снимать свои серии, когда ей было 23, переодеваясь и играя роль воображаемой белокурой блондинки. Для нее поп-культура была целым словарем визуальных приемов и ходов. Работы Шерман во многом способствовали переоценке фотографии на мировой арт-арене и подъему в последние 10 лет. В своем творчестве она — режиссер, модель и фотограф. Сама определяет стандарты, раздвигает границы дозволенного, интуитивно и порой эксцентрично исследуя интересующие ее области.

«Я всегда стараюсь создать историю для своих героев, мне бы хотелось, чтобы люди больше фантазировали об их жизни, и я пытаюсь отгадать, о чем они думают». И хотя все ее типажи выдуманы, они кажутся поразительно знакомыми, так хороша Шерман в качестве актрисы. В настоящее время Синди Шерман является одним из наиболее востребованных фотографов, как для некоммерческих институций, так и для частных коллекционеров. На Frieze Art ее работа 1990 г. была продана в нью-йоркской галерее Metro Pictures (www.metropicturesgallery.com) за $350 тыс. (тираж 5/6).

Адам Фусс/Adam Fuss известен своим широким подходом к фотографическому материалу, в котором связаны воедино исторические и современные фотографические процессы. Проработав много лет коммерческим фотографом, он прочувствовал на себе «вездесущую культуру, основанную на технологиях и потреблении». В ответ на это он вернулся к простым фотографическим средствам: светопись без использования камеры.

Адам Фусс создает эфемерный и зачастую абстрактный портрет, кристаллизующийся из взаимодействия света и времени, хотя объектами его фотографий могут быть конкретные вещи. Его поздние серии включают фотографии концентрических волн, создаваемых капелькой воды. Эти необычайно тонкие и прозрачные, но сильные по воздействию работы представлены для выставки особым образом. Адам Фусс одновременно показывает дагерротип (который является уникальным произведением искусства) и папку с принтами фотографий. В момент, когда вы смотрите на блестящий, отражающий окружающее пространство дагерротип на стене, который в контексте современного искусства на глазах превращается в объект, и серию фотографий небольшого размера, классически собранных в виде портфолио фотографа, прошлое фотографии и ее будущее соединяются и меняются местами. На ярмарке в галерее Timothy Taylor Gallery работа 2007 г. «ARK» (дагерротип размером 35,6х27,9 см) стоила $45 тыс., к ней прилагалась папка с 34 цветными фотографиями, каждая из которых стоила $500 (тираж папки 257 из 333).

Еще один файн-арт-фотограф с коммерческим прошлым в фотографии — Андреас Гурский/Andreas Gursky. У Гурского было три вхождения в фотографию: он вырос в семье коммерческого фотографа и до окончания колледжа уже знал все тонкости успешной коммерческой фотографии. Позже он осваивал приемы документальной традиции, обучаясь на репортажного фотографа. После этого он учился в классе, в котором преподавали Берндт и Хила Бехер в Государственной академии искусства в Дюссельдорфе. Эти разнообразные подходы Гурский смог развить каждый по-своему в своих последующих работах.

Он нашел современный подход к изображению гигантских индустриальных заводов, жилых домов, отелей, складов. От его фотографий исходит ощущение мира глобального, высокотехнологичного, прогрессирующего во все ускоряющемся ритме, мира, в котором индивидуальность анонимна и всегда — в числе множества. Одна из таких его работ — «Бахрейн II» 2007 г., крупноформатная фотография (размер 307,0x213,1x6,2 см), — была продана галереей Monika SprRth/Philomene Magers (www.spruethmagers.com) за $580 тыс. (тираж 1/6).

Не менее монументальный в своем подходе к созданию фотографических изображений американский фотограф Энтони Гойколеа (www.anthonygoicolea.com), который был представлен целой экспозицией на стенде галереи Aurel Scheibler (www.aurelscheibler.com) из Берлина. Фотограф обрел известность благодаря своим цифровым коллажам, в которых он всегда присутствовал сам в роли неких мифических идентичных персонажей — мальчиков-школьников. Всегда во множестве. На этот раз он представил новые работы из проекта «Почти безопасно»: комбинируя изображения пейзажей, снятых в различных местах, он создает ужасающую картину постиндустриального будущего, в котором повсюду видны следы разрушений.

Здесь нет места ни людям, ни живым существам — только небо, затянутое тучами, указывает на неизбежность нависшей угрозы исчезновения жизни на Земле. В его работах много разнообразных аллюзий, как с романтической европейской живописью, так и с кино, в особенности можно провести параллели с фантастическими фильмами, такими как «Бегущий по лезвию». Одна из его работ — «Deconstruction», 2007 г. — была продана за $20 тыс.

Фотография с самого начала имела множество пересечений с современным искусством, модой, кино. Сейчас же уровень перекрестного опыления этих областей настолько высок, что процесс перехода из одной сферы в другую не составляет особого труда. Галереи с легкостью выставляют работы известных фэшн-дизайнеров и фэшн-фотографов, знаменитых режиссеров и актеров. Конечно, здесь свою роль играет имя автора, которое зачастую является заведомо продаваемым. Но интересно, что за счет такого перекрестного опыления фотография получает новые вливания, экспериментальные пути и обогащается свежими идеями.

В этом плане показательны работы Джозефа Кошута/Joseph Kosuth, яркого представителя концептуального искусства. В них он часто использует фотографию как медиа. «Ценность определенных художников после Дюшампа может быть определена тем, как они рассматривают природу самого искусства», — эта фраза поистине выражает мотивацию художника. Для него смыслом искусства является не производство эстетически красивых объектов, а проблематичных и неоднозначных объектов, которые сами по себе ставят вопрос: а что же такое искусство?

В своей работе он демонстрирует фотографию пейзажа, определение слова «Photo», взятое из словаря и принт-фотографии в рамке. Это произведение включает три аспекта, которые связаны с его восприятием: визуальную репрезентацию вещи (фотография фотографии в рамке), реальный референт (фотография в рамке на стене) и ее интеллектуальную идею (определение словаря). Реальность, образ и идея: три стороны произведения в восприятии зрителя. Триптих Кошута «Фото» продавался в лондонской галерее Monika Spruth Philomene Magers за $250 тыс. (уникальный экземпляр).

Двое художников Майкл Элмгрин и Ингар Драгсет/Michael Elmgreen & Ingar Dragset начали совместно работать с 1995 г., создавая инсталляции, интервенции, устраивая перфомансы. Они успешно выставляются как в коммерческих галереях, так в музейных пространствах по всему миру. Фотография — это всего лишь одно из многих медиа, с которыми они работают. Работа, которая была продана в датской галерее Galleri Nikolai Wallner (www.nicolaiwallner.com) за $118 000, называется «Дополнительное Я», инсталляция, состоящая из 500 фотографий.

Способ экспонирования работ отсылает зрителя к семейной фотографии: все фото в одинаковых белых рамках, подчеркивающих значение событий, запечатленных на них. Но, используя этот прием, они меняют традиционное содержание семейных снимков на новый стиль жизни, основанный на идее однополой дружбы и любви и противопоставленный идее семьи. Но сами они далеки от политических дебатов об однополых семьях: детские фотографии стоят вперемежку с кадрами из ночных клубов, гей-баров, пейзажей в городах Европы, Азии и Америки, и это их альтернативная реальность, отличная от культуры мейнстрима.

Знаменитый гламурный фотограф Дэвид Ляшапель (www.davidlachapelle.com) находится на стыке фэшн-, селебрити- и коммерческой фотографии, снимает полуобнаженных знаменитостей в сюрреалистической обстановке, «избегая реальности» и создавая, по его собственным словам, «новую реальность». Когда-то он сделал фото Энди Уорхола, которое открыло Ляшапелю дорогу в мир шоу-бизнеса. Он снимает звезд, раздувая их эго и звездность еще больше. Провокатор и маргинал. Его можно обвинить в дурном вкусе и вульгарности. Его работы можно назвать китчем, наконец. Но его фотографии отражают мир Голливуда, одержимый бесконечным шопингом, с помощью которого его герои пытаются заполнить пустоту своего существования.

Работы Ляшапеля «Deluge», которые были представлены на ярмарке знаменитой кельнской Jablonka Galerie (www.jablonka.net), были вдохновлены библейской историей о всемирном потопе, и в особенности «Потопом» Микеланджело в Сикстинской капелле. По словам самого фотографа, эта работа о сумасшествии мира в момент смертельной опасности, когда все материальные ценности рушатся на глазах, и о возможности пробуждения в людях более высоких чувств сострадания и помощи ближнему.

Работа «Потоп», размером 182,8x 678 см, создана компьютерным способом как коллаж из отдельных поляроидных снимков моделей и продавалась за $200 тыс. Ляшапель говорит: «Когда я разложил поляроиды, мне стала ясна разница между современной фотографией и классической живописью. Микеланджело мог выразить одновременно общее и идеальное, избегая создавать портреты конкретных людей. Но на фотографию вы смотрите и воспринимаете ее как часть реальности».

Хеди Слиман (www.hedislimane.com), в первую очередь, известный фэшн-дизайнер, работающий на стыке модной индустрии, музыки и фотографии, изучал историю искусств в Школе Лувра. С тех пор он органично использует в своей работе фотографию, работая как для журналов, так и с галереями. Он издал уже несколько альбомов своих фотографий. Сейчас он активно сотрудничает с галереей Almine Rech (www.galeriealminerech.com), как в качестве художника, выставляя свои работы, так и в качестве куратора выставок. Дизайн стенда галереи на ярмарке Frieze Аrt и подборка произведений художников — его работа. «Флаг, без названия» (2007 г.) Слимана стоил $18 тыс. (черно-белая фотография американского флага, разрезанная на части и накатанная на алюминий).

Хочется отдельно сказать о молодых фотографах, появившихся в последние несколько лет, работающих на стыке фотографии и современного искусства. Англичанин Идрис Хан/Idris Khan создает многослойные фотографии произведений искусства и литературы, которые изначально принадлежат другим авторам: среди объектов — Коран, книга Роланда Барта «Камера Люсида», «О фотографии» Сюзан Зонтаг, партитура Вагнера, фотографии Бернда и Хиллы Бехер…

С технической точки зрения, Хан переснимает каждую страницу, каждую работу и создает полупрозрачные пульсирующие изображения. В работе с каждым произведением он охвачен любопытством и предвкушением того, что может проявиться в результате его практики. Но это не простое копирование; ему удается выразить целый спектр чувств: трансформировать сухую геометрию в живую вибрирующую массу, которая визуально находится где-то на грани фотографии и рисунка углем. Представьте себе, что одновременно вы можете услышать каждую ноту музыкального произведения или одним взглядом охватить все работы художника. Видение, которое предлагает Идрис Хан, объемно: оно включает в себя одновременно целое и все его части. Фотограф окончил магистратуру файн-арт в Королевском колледже искусства только в 2003 г., но он уже представлен самыми крупными галереями, такими как Victoria Miro Gallery (Лондон; www.victoria-miro.com) и Yvon Lambert (Париж, Нью-Йорк; www.yvon-lambert.com).

Галерея Victoria Miro также показала две работы еще одного любопытного английского художника — Алекса Хартли/Alex Hartley. Алекс создает фотографии архитектурных форм, помещая их в короба под сатинированное стекло, придавая им некую иллюзорную глубину и выявляя их объем. Автор работает с идеей репрезентации пространства, и кроме фотографии он создает инсталляции, как в галерейных пространствах, так и в природной среде. Его волнует проявление фантастических пейзажей, в которых скульптурные архитектурные и природные элементы органично переплетены. Фотография, находящаяся всего в нескольких сантиметрах под полупрозрачным стеклом, создает интересный оптический эффект: она затягивает зрителя, она заставляет всматриваться в нее все сильнее. Каждая работа Алекса Хартли стоила $8 тыс. (при тираже 5).

Глядя на все эти примеры, понимаешь, что фотография чуть более чем за сто лет превратилась в полноправного игрока на сцене современного искусства. В пользу этого также говорят многочисленные факты присутствия знаковых фотопроизведений в крупных тематических курируемых музейных выставках по всему миру, и число художников, использующих фотографию в своей работе. Фотография с самого своего рождения обладала одной очень интересной чертой, которая определяла и определяет сейчас ее развитие — это момент экспериментальности.

Сейчас становится понятно, что в будущем фотография будет все больше осваивать новые техники, приемы и методы экспонирования уже готового произведения. Заметно, что в фотографию все больше проникают из других областей современного арта некоторые приемы, присущие определенным «-измам», таким как, например, апроприация имиджей и объектов, в том числе и произведений известных файн-арт-фотографов, и создание на их основе новых.

Особый интерес вызывает одна из ключевых тем, которая проходит красной нитью через современную фотографию — это объективность восприятия, проблема реального и ирреального, а также задача проявления невидимого мира, которую ставят перед собой художники. Эти темы всегда волновали тех, кто занимался светописью, но, похоже, что в настоящее время визуальные исследования этой сферы приобретают огромный масштаб, характеризующийся все большим разнообразием подходов. Это, несомненно, отражает необходимость и потребность фотографии реагировать на глобальные процессы и явления, пронизывающие все сферы жизни в настоящий момент развития цивилизации.
F&V

Дополнительная информация: www.friezeartfair.com